John Constable est l'un des principaux peintres de paysage du XIX siècle. Delacroix et Gericault ont admiré son art et il a influencé les maîtres de Barbizon et même les impressionnistes. Il n'a pourtant rencontré que peu de gloire et d'honneur durant sa vie dans son Angleterre natale.

John Constable est né à Est Bergholt, Suffolk, le 11 juin 1776. Il est le le quatrième enfant et le deuxième fils d'Ann et Golding Constable. Son père était un marchand de grain local prospère qui avait hérité l'affaire d'un oncle en 1764. John Constable est élève de l'école secondaire de Dedham, où il se distingue par son talent de dessinateur. En 1793 son père décide de le former comme meunier et Constable passe une année à travailler au moulin familial. Cette année affirme sa décision : il sera artiste.

 

Entre 1796 et 1798 il suit les cours de John Thomas Smith et plus tard de George Frost, qui a soutenu son amour pour la peinture de paysage et l'a encouragé à étudier les travaux de Gainsborough. En 1800 il entre aux Écoles de l'Académie Royale. Comme étudiant, il copie des paysages des maîtres anciens, particulièrement ceux de Jacob Ruisdael.

Quoique profondément impressionné par le travail de Claude Lorrain et l'aquarelle de Thomas Girtin, Constable est persuadé que l'étude réelle de nature est plus importante que n'importe quel modèle artistique. Plus que tout autre artiste avant lui, il a refusé "d'apprendre des vérités d'occasion". Constable base ses peintures sur des croquis précisément dessinés faits dans la nature.

Ses premières œuvres les plus notables sont La Vallée de Dedham (1802), Le porche d'Église de Est Bergholt (1809), La vallée de Dedham : Matin (1811), Paysage : Garçons pêchant (1813), Construction de bateau (1815), Wivenhoe Parc (1816), Weymouth Baie (1816). Le moulin de Flatford (1817), son dernier travail de la période est peint en plein air.

Il épouse Maria Bicknell en 1816 et le couple s'installe à Londres. Après 1816, il change de méthode de travail se détournant des paysages agraires réalistes. Maintenant il travaille surtout dans son atelier de Londres et doit travailler de mémoire, commençant chaque tableau par un grand croquis. Les croquis permettent à sa mémoire de se développer graduellement jusqu'à ce qu'il se rappelle la scène à peindre de manière suffisemment précise. À ce moment là, il peut commencer la toile définitive

 Cette série de grandes toiles comprend notamment Le cheval Blanc (1819), Le Chariot de foin (1821), Un bateau passant l'écluse (1824) et Le champs de blé (1826), La Cathédrale de Salisbury vue des jardins de l'Évêque (1826), Moulin à Gillingham dans le Dorset (1826), la vallée de Dedham (1828), Le chateau de Hadleigh (1829), La cathédrale de Salisbury vue des prés (1831).

En 1829, il est finalement élu à l'Académie Royale. Il meurt le 31 mars 1837 sans jamais avoir été populaire en Angleterre alors que certaines de ses oeuvres exposées à Paris ont atteint une gloire instantanée

 

 

William Blake (Londres, 28 novembre 1757–12 août 1827) est un peintre et un poète pré-romantique britannique.

Bien que considéré comme peintre — il a peint quelques tableaux à l'huile, préférant l'aquarelle, le dessin, la gravure, la lithographie —, il s'est surtout consacré à la poésie. Il est l'auteur d'une œuvre inspirée de visions bibliques à caractère prophétique. Son style halluciné est moderne et le distingue de ses pairs bien que ses thèmes soient classiques.

Il était fils d'un bonnetier et, dès l'enfance, montra d'étonnantes dispositions pour le dessin et la poésie. Il est envoyé à dix ans dans une école de dessin, où il composera ses premiers poèmes. Devenu élève du graveur James Basire à quatorze ans, il fut chargé de dessiner les antiquités de l'abbaye de Westminster et des autres vieux édifices, milieux qui ne manquèrent pas d'exercer une vive influence sur son imagination mélancolique.

Trop pauvre pour faire face aux frais d'impression de ses œuvres, il se fit son propre éditeur et imagina d'y appliquer son écriture mise en relief par la morsure sur des plaques de cuivre. Il publia ainsi ses Songs of Innocence, ornées de ses dessins (1789 ), œuvre singulière, qui eut du succès, ce qui l'encouragea à donner successivement, sous la même forme: Books of prophecy (1791) ; Gates of paradise (1793) ; America, a prophecy (1793) ; Europe, a prophecy (1794) ; Songs of Experience (1794).

En même temps, il faisait figurer, dans plusieurs expositions de l'Académie royale, des peintures allégoriques, historiques et religieuses. Il publia The Marriage of Heaven and Hell , satire du Heaven and Hell de Swedenborg, en 1790. En 1797, il entreprit une édition illustrée par lui des Nuits de Young, qu'il laissa inachevée, puis il alla vivre à Felpham, auprès du poète William Hayley, faisant des dessins pour celui-ci, et peignant quelques portraits, et ne revint à Londres qu'au bout de trois ans. Ses quarante dessins gravés par Schiavonetti pour une édition du poème The Grave (1808) de Blair furent très admirés, de même que sa grande estampe le Pèlerinage de Canterbury (1809).

Entre-temps, il continuait de composer, d'illustrer et d'imprimer des poèmes étranges, empreints d'un mysticisme obscur : Jerusalem: the emanation of the Giant Albion ; Milton, a poem avec And did those feet in ancient time (1804); Job (1826) ; etc. Le plus original est le dernier : c'est aussi celui dont les gravures sont les plus finies. Tous ces volumes sont aujourd'hui fort recherchés, surtout les exemplaires coloriés par l'artiste lui-même. Blake est devenu membre de la Royal Society le 14 mai 1807. Sa mort interrompt l’illustration de The divine comedy (1825-1827) de Dante.

 Caspar David Friedrich, né le 5 septembre 1774 à Greifswald en Mecklenburg-Vorpommern et mort le 7 mai 1840 à Dresde, est le chef de file de la peinture romantique allemande du XIXe siècle.

 A partir de 1794, il prend goût pour le dessin et pendant quatre ans, il fréquente l'Académie de Copenhague.
Jens Juel et Abilghaard sont ses professeurs. Peintre de paysages prestigieux, connu pour ces paysages ossianiques. Abilghaard semble avoir particulièrement influencé Friedrich par son goût pour la mythologie nordique et le refus des modèles antiques.
En 1798, il s'établit à Dresde. Tieck y habite, Goethe, Schlegel, Fichte, Schelling, Novalis y font de courts séjours.

Les théories de Schelling sur la peinture, datées de 1802-1805, marquent profondément les peintres de cette époque . Il y évoque une spiritualité cachée dans la nature qui attend d'être dévoilée par le peintre ou l'artiste

A cette époque, Friedrich se rapproche de la pensée de Schleiermacher, qui voyait l'approche du sentiment religieux dans la contemplation de la nature.
En 1805, débute sa relation épistolaire avec Goethe.

En 1809, Runge rédige  la sphère des couleurs  et en 1810, Goethe écrit le Traité des couleurs. Ces deux ouvrages influencèrent profondément Friedrich, lui procurant une symbolique supplémentaire, celle de la couleur. De plus, Goethe affirme que tout ce qui existe dans la nature appartient à une vision globale décelable par l'esprit.
Friedrich est nommé membre de l'Académie de Berlin. Il voyage dans le Riesengebirge qui devient un thème récurent de son oeuvre.
En 1812, on peut considérer que cette année marque la courte période de reconnaissance du talent de Friedrich. Il expose à Berlin, est admiré par Goethe et Frédéric - Guillaume III achète  Matin sur le Riesengebirge et le  Jardin suspendu.

 

En raison des invasions napoléoniennes, il débute sa période concernant les sujets patriotiques.
A cette période, de nombreux artistes et philosophes romantiques décident de se rendre en Italie, dont Schinckel et Goethe. Mais Friedrich refuse d'aller à Rome, parce qu'il rejette toute forme d'antiquité et par peur que le paysage méditerranéen ne détruise son esthétisme.
Friedrich tombe malade en 1824. En 1826, son état s'aggrave et il souffre d'un délire de persécution qui l'éloigne d'un bon nombre de ses amis.

Pendant cette période, il peint peu mais en 1827, il se remet à la peinture à l'huile.
En 1834, lors de la visite de l'atelier de Friedrich le sculpteur David d'Angers a un célèbre mot pour définir l'art de Friedrich : " Cet homme a découvert la tragédie du paysage. ".
En 1835, une congestion cérébrale le laisse paralysé.
Le 7 Mai 1840, Friedrich meurt à Dresde.

 

 

Eugène Delacroix est né en 1798 et mort en 1863. C’est un peintre français qui fut le représentant majeur du mouvement romantique dont l’influence s’étendit jusqu’aux post impressionnistes.

 

Issu d’un milieu aisé, Delacroix naquit à Saint-Maurice, près de Paris. Il étudia dans l’atelier de Pierre Guérin en 1815, où il fit la connaissance de Théodore Géricault, puis dans celui de Jacques Louis David, avant de fréquenter, en 1816, l’Ecole des beaux-arts.

Son premier envoi au Salon, Dante et Virgile aux Enfers (1822, musée du Louvre, Paris), révèle la forte influence de Géricault, qui devait mourir deux ans plus tard. Les massacres de scio (1824, musée du Louvre), qui évoquent un épisode sanglant de la lutte des Grecs pour leur indépendance, indignèrent les représentants du néoclassicisme, en particulier Ingres, mais firent cependant de Delacroix le chef de file du romantisme.

Parti pour la Grande-Bretagne en 1825, il y découvrit les œuvres de Shakespeare, de Walter Scott et de Byron. Constable et Bonington l’influencèrent dans ses propres recherches sur la vibration chromatique, recherches qu’il concrétisa dans la plus lyrique de toutes ses œuvres la Mort de Sardanapale, (1827, musée du Louvre), inspirée d’un poème de Byron. Présentée au Salon de 1828, cette toile voluptueuse et violente, qui mêle profusion des personnages, luxe oriental et audace des couleurs, provoqua un nouveau scandale.

Delacroix réalisa par la suite plusieurs peintures d’histoires , notamment la décapitation du doge Mario Falerio (1827), la liberté guidant le peuple (1831, musée du Louvre), glorification semi-allégorique de la révolution de juillet et l’Assassinat de l’évêque de Liège (1831).

Le voyage qu’il effectua au Maroc en 1832 en compagnie du comte de Mornay fut pour lui une véritable révélation. Fasciné par les couleurs et les lumières de l’Orient, il multiplia les croquis et les aquarelles d’où il tira plus tard près d’une centaine de tableaux d’une rare puissance (Femmes d’Alger dans leur appartement, 1834, musée du Louvre ; la Noce Juive au Maroc, 1839, musée du Louvre ; le Sultan du Maroc, 1845).

De retour en France, il reçut de nombreuses commandes et décora notamment murs et plafonds du Palais-Bourbon (salon du Roi et bibliothèque, 1833-1847), du Sénat et du Louvre.

Au cours de cette période, il se lia d’amitié avec George Sand et Chopin. Les toiles de cette époque, saluées par Baudelaire, reprennent des thèmes qui lui sont chers (Médée furieuse, 1838 ; le naufrage de Don Juan, 1840, musée du Louvre ; l’Entrée des croisés à Constantinople, 1840), mais aussi de nombreuses scènes de chasse et de combats de fauves. Toute son œuvre relève d’une manière passionnée, que soutiennent un prodigieux talent de coloriste et une remarquable puissance imaginative.

Voici maintenant quelques toiles moins célèbres

Né le 26 septembre 1791 à Rouen, mort à Paris le 26 janvier 1824, Théodore Géricault issu d’une famille bourgeoise royaliste, il suit ses parents qui s’installent à Paris en 1796.

Là, il entre au lycée, mais les études ne l’intéressent guère ; il n’a que deux passions : l’art et le cheval. Sa mère meurt en 1808, et grâce à son héritage, le jeune Théodore, entre dans l’atelier de Carle Vernet peintre spécialisé dans l’étude des chevaux.

Il se lie avec le fils du maître, Horace Vernet. En 1810, il quitte l’atelier pour se joindre à celui de Pierre-Narcisse Guérin, maître de l’école néo-classique, puis le 5 février 1811 à l’école des Beaux-arts de Paris.

Il présente au Salon de 1812 une peinture équestre qui fait sensation, il remporte même une médaille. Mais le Salon suivant ne lui apporte que déceptions : ses oeuvres passent inaperçues.

 

En 1814, il suit le roi Louis XVIII en fuite à Gand. Après avoir échoué au concours du Prix de Rome en 1816, il voyage en Italie, découvre les peintres de la Renaissance italienne, Michel-Ange, Raphaël et le peintre flamand Rubens. De retour à Paris, il s’installe rue des Martyrs, pas loin de son ami Horace Vernet, et prépare une oeuvre monumentale : le radeau de la Méduse, qui sera présentée au Salon de 1819.

L’oeuvre montre avec réalisme, particulièrement dans l’expression de l’agonie, les survivants du naufrage du navire la Méduse entassés sur un radeau. Bien que controversée, cette toile eut un grand succès et Géricault eut une médaille.

D’avril 1820 à novembre 1821, Géricault organise une exposition itinérante en Angleterre, en compagnie de son ami Charlet, un lithographe qui l’initiera à cette technique. En Grande -Bretagne, il pratique l’équitation et prend pour thème essentiel le cheval.

Il peint les courses de chevaux (le derby d’Epsom - 1821) et fait de nombreux dessins et lithographies d’une puissance extraordinaire évoquant le dur labeur du cheval au travail ainsi que les scènes de la vie quotidienne.

La peinture anglaise l’inspire beaucoup. En novembre 1821, il rend visite au peintre Jacques-Louis David en exil à Bruxelles

Il rentre à Paris en décembre 1821. Entre 1822 et 1823, Géricault mène une vie désordonnée, dépense de grosses sommes d’argent pour entretenir plusieurs chevaux. Parallèlement à cette vie, son art s’oriente vers les peintures évoquant la souffrance et la mort. Après des visites à la Salpetrière, il peint une série de dix portraits « d’aliénés mentaux ». Cinq toiles subsistent actuellement, comme la monomane du jeu, le kleptomane ou la monomane de l’envie. Ces toiles marquent l’intérêt de l’époque pour l’expression des névroses.

 

Peu de temps après son retour d’Angleterre, il avait fait une chute de cheval. L’abcès qui s’était formé du côté gauche avait été traité, mais la lésion à la colonne vertébrale est passée inaperçue.

Deux nouveaux accidents entraîneront une aggravation de ses lésions : il s’alite en février 1823 et ne se relèvera jamais.

Il meurt le 26 janvier 1824, laissant inachevés de grands projets, restés à l’état d’esquisses, traitant de l’abolition de l’esclavage, l’Inquisition et la traite des Noirs.

Ayant peu exposé de son vivant, Théodore Géricault laisse une oeuvre malheureusement dispersée, mais riche et variée, témoignant de sa quête de l’humain. Ses oeuvres les plus « dérangeantes » sont des études sur des têtes de suppliciés ( Stockholm ), des fragments de membres humains (Musée de Montpellier). Géricault introduit dans la peinture le mouvement, la couleur, et les thèmes réalistes qui permettent de parler, à partir de Delacroix son héritier spirituel, d’une nouvelle école : le romantisme.

 

Francisco Goya y Lucientes naît le 30 mars 1746, à Fuendetodos (Aragon, près de Saragosse), il est le fils de José Goya, maître-doreur et de Gracia Lucientes.

Vers 1760, Goya étudie la peinture à Saragosse chez José Luzan. Il quitte la ville à la suite d'aventures douteuses. Il est à Madrid en 1763 et se présente au concours de l'Académie, auquel il échoue. En 1766, il échoue au concours triennal de l'Académie de Madrid.

 

Entre 1767 et 1770, Goya quitte Madrid pour la France, puis l'Italie. Il est à Rome en 1771. En avril, il participe au concours de peinture de l'Académie de Parme ; il obtient six voix mais pas de prix. Il rentre en juin à Saragosse. En juillet 1773, Francisco Goya épouse Josefa Bayeu, la soeur de Francisco Bayeu, âgée de 26 ans. Il s'installe à Madrid. En 1775, Bayeu procure à Goya une importante commande, à Madrid : des cartons pour la Manufacture Royale de Santa Barbara. Le 21 janvier 1777 Josefa donne naissance à Madrid au premier fils de Goya, mort en bas âge.

En 1780, Goya est nommé académicien de mérite à l'Académie de San Fernando ; ses relations avec son beau-frère Bayeu se déteriorent.

 

José Goya, le père de l'artiste, meurt en 1781. Le 2 décembre 1784, Josefa donne naissance à un garçon, Francisco-Javier. En 1785, Goya fait la connaissance du marquis et de la marquise de Penafiel. Sa mère, Gracia Lucientes meurt la même année.

 

Le 4 mai 1785, Goya est nommé directeur adjoint de la peinture à l'Académie de San Fernando. Le 25 juin 1786, Goya est nommé peintre du Roi d'Espagne, au traitement fixe de 15.000 réaux par an. Le 30 avril 1789, Goya est nommé peintre du roi d'Espagne, par Carlos IV (Charles IV). En 1790, Goya est éloigné de la cour, où il perd ses protecteurs.

  A l'automne 1792, il voyage à Cadix où il tombe gravement malade et paralysé. Après plusieurs mois de maladie, Goya se remet, mais reste affaibli physiquement et complètement sourd. Son beau-frère Francisco Bayeur meurt en 1795. Goya est nommé directeur de la peinture à l'académie de San Fernando à Madrid. En 1796-1797, on prête à Goya une liaison avec Maria-Cayetana, duchesse d'Albe.

En 1797, Goya abandonne sa charge de directeur de la peinture à l'académie de San Fernando, pour raisons de santé. Il commence à graver les " Caprices " (" Los Caprichos "). Entre août et novembre 1798, Goya peint la coupole de la chapelle royale de San Antonio de la Florida. En février 1799, Goya publie le recueil des " Caprices " : les eaux-fortes sont retirées de la vente après quelques jours. Goya est nommé premier peintre de la Cour d'Espagne. En 1800, Goya déménage de son habitation de la rue del Desengano, pour aller habiter en face, dans une maison qu'il achète pour 234.000 réaux. 

En 1805, Francisco-Javier Goya, fils de Goya, épouse Gumersinda Goicoechea, apparentée à la famille qui contrôle la Banque de Saint-Charles (Banco de San Carlos). Son petit-fils, Mariano Goya naît en 1806. En juin 1812, son épouse Josefa Bayeu meurt à l'âge de 65 ans. Un inventaire, dressé pour partager les biens entre Goya et son fils, estime la fortune du peintre à 360.000 réaux. En 1819, Goya vit avec Leocadia Weiss, une jeune veuve, parente de sa belle-fille, et sa fille Rosario.

 

Le 24 juin 1824, Goya arrive à Bordeaux. Il séjourne à Paris en juillet et, en septembre, s'installe à Bordeaux, où Léocadia Weiss, et sa fille Rosario, le rejoignent. En 1826, Goya effectue un court séjour à Madrid, où il revoit Francisco-Javier, âgé de 42 ans, le seul de ses fils qui ait survécu.

 

Goya meurt à Bordeaux le 16 avril 1828.

 

Antoine-Jean Gros, baron Gros, né à Paris le 16 mars 1771 et mort le 25 juin 1835 à Meudon à l'âge de 64 ans, est un peintre français néoclassique et préromantique.

Enfance et formations

 

Sa mère Pierrette Durant est pastelliste. Son père Jean Antoine Gros est peintre en miniatures et un collectionneur avisé de tableaux. Il apprend à son fils à dessiner à l’âge de six ans, et se montre dès le début un maître exigeant. Vers la fin de 1785, Gros entre, de son propre gré, à l’atelier de David, qu’il fréquente assidûment tout en continuant de suivre les classes du collège Mazarin.

Départ en Italie

La mort de son père, que la Révolution avait atteint dans ses biens, oblige Gros à vivre de ses propres ressources. Dès lors il se dévoue entièrement à sa profession et participe en 1792 au grand prix, mais sans succès. C’est toutefois à cette époque que, sur recommandation de l’école des beaux-arts, il reçoit la commande des portraits des membres de la Convention. Lorsqu’il est interrompu par le développement de la Révolution, en 1793, Gros quitte la France pour l’Italie. Il vit à Gênes de sa production de miniatures et de portraits. Il visite Florence. En retournant à Gênes, il rencontre Joséphine, et la suit à Milan où il est bien reçu par son mari.

Rencontre avec Bonaparte

 

 

Le 15 novembre 1796, Gros est présent avec l’armée près d’Arcole, où Bonaparte plante le drapeau de l'armée d'Italie sur le pont. Bonaparte lui commande à Milan un tableau pour immortaliser cet évènement. Satisfait par l'œuvre, Bonaparte lui confie le poste d’inspecteur aux revues, ce qui lui permet de suivre l’armée. En 1797, sur la recommandation de Joséphine de Bauharnais, il le nomme à la tête de la commission chargée de sélectionner les œuvres d'art volées destinées à enrichir les collections du musée du Louvre. Gros peint Sappho à Leucate pour le général Desolles.

 

 Retour en France

 

En 1799, s’étant échappé de Gênes assiégée, Gros se rend à Paris et installe son atelier aux Capucins en 1801. Son esquisse pour la Bataille de Nazareth gagne le prix offert en 1802 par les consuls, mais ne lui est pas remis, en raison d'une jalousie supposée de Napoléon envers Junot. Toutefois Napoléon indemnise Gros en lui commandant de peindre sa visite à la maison de la peste de Jaffa,

Gros est décoré par Napoléon à l'occasion du Salon de 1808 où il expose la Bataille d’Eylau. En 1810, ses Madrid et Napoléon aux pyramides (Château de Versailles) montrent un déclin de sa peinture. Son François Ier de France et Charles Quint, 1812 (Musée du Louvre) connaît pourtant un succès considérable, et la décoration du dôme de Sainte-Geneviève commencée en 1811 et terminée en 1824, qui lui vaudra le titre de baron par Charles X, est une des œuvres des dernières années de Gros qui renoue avec la vigueur de ses débuts. Les élèves de Gros sont nombreux et leur nombre augmentent considérablement, quand, en 1815, David quitte Paris et lui laisse son école.

 

Sous la Restauration, il devient membre de l’Institut, et le 5 novembre 1816 il est nommé professeur à l’école des beaux-arts de Paris, succédant à François-Guillaume Ménageot et précédant Horace Vernet. Il est nommé chevalier de l’ordre de Saint-Michel, et baron en 18245. Le Départ de Louis XVIII aux Tuileries (1817) (Château de Versailles), l’Embarquement de la duchesse d’Angoulême (1819) (musée des beaux-arts de Bordeaux), le plafond de la salle égyptienne du Louvre et, finalement, son Hercule et Diomède, exposé en 1835, témoignent d'un retour de Gros vers un néoclassicisme plus orthodoxe, dus à l'influence de David.

Déclin et suicide

 

Le changement de régime en 1815 voit la peinture romantique connaître un succès grandissant. En 1835, Gros envoie au Salon son Hercule écrasant Diomède, mal reçu par la critique.

Abandonné par ses élèves et en proie à des difficultés personnelles, Gros décide de se suicider. Le 25 juin 1835, il est retrouvé noyé sur les rives de la Seine près de Sèvres. Dans un dernier message qu’il laisse dans son chapeau, il écrit que « las de la vie, et trahi par les dernières facultés qui [la lui rendaient] supportable, [il avait] résolu de [s’]en défaire ».

 

 

 

 

  Jacques-Louis David, est un peintre, membre de l'Académie des beaux-arts, et conventionnel français né le 30 août 1748 à Paris et mort le 29 décembre 1825 à Bruxelles. Il est considéré comme le chef de file de l’École néoclassique, dont il incarne le style pictural et l’option intellectuelle.

 

Il opère une rupture avec le style galant et libertin de la peinture rococo du XVIIIe siècle représentée à l'époque par François Boucher et Carl Van Loo, et revendique l’héritage du classicisme de Nicolas Poussin et des idéaux esthétiques grecs et romains, en cherchant, selon sa propre formule, à « régénérer les arts en développant une peinture que les classiques grecs et romains auraient sans hésiter pu prendre pour la leur ».

Formé à l'Académie royale de peinture et de sculpture, il devient en 1785 un peintre renommé avec le Serment des Horaces. Membre de l'Académie des beaux-arts, il combat cette institution sous la Révolution et entame en parallèle à sa carrière artistique une activité politique en devenant député à la Convention et ordonnateur des fêtes révolutionnaires. Son engagement l'amène à voter la mort du roi Louis XVI, et son amitié pour Maximilien de Robespierre lui vaudra, à la chute de celui-ci, d'être emprisonné lors de la réaction thermidorienne. Ses activités politiques prennent fin sous le Directoire, il devient membre de l'Institut et se prend d'admiration pour Napoléon Bonaparte. Il se met à son service quand celui-ci accède au pouvoir impérial, et il réalise pour lui sa plus grande composition Le Sacre de Napoléon.

Sous la Restauration, son passé de révolutionnaire régicide et d'artiste impérial lui vaut d'être exilé. Il se réfugie à Bruxelles et continue jusqu'à sa mort en 1825 son activité artistique.

Son œuvre, importante par le nombre, est exposée dans la plupart des musées d'Europe et aux États-Unis, et pour une grande partie au musée du Louvre. Elle est constituée principalement de tableaux d'histoire et de portraits. Il fut un maître pour deux générations d’artistes, venues de toute l’Europe pour se former dans son atelier qui, à son apogée, comptait une quarantaine d’élèves, dont Girodet, Gros et Ingres furent les plus réputés.

Il fut l’un des artistes les plus admirés, enviés et honnis de son temps, autant pour ses engagements politiques que pour ses choix esthétiques. Par le passé, rarement un artiste a épousé à ce point les grandes causes de son temps en mêlant intimement art et politique.

 

  INGRES Jean Auguste Dominique

(1780-1867),

Peintre Français du courant Romantique mené par Eugène Delacroix et Théodore Géricault.

 

L'élève de David

Né à Montauban, il est formé par son père sculpteur et peintre qui lui apprend le dessin ainsi que le violon.

Entré à l'Académie royale de Toulouse en 1791, il fréquente à partir de 1797 l'atelier du peintre néoclassique Jacques-Louis David à Paris, avant de remporter le prix de Rome en 1801 pour les Ambassadeurs d'Agamemnon (école des beaux-arts, Paris).

Premier séjour à Rome

 

De 1806 à 1820, il séjourne à Rome, où s'affirment ses dons exceptionnels pour le dessin. C'est là qu'il s'imprègne de l'influence de Raphaël dont témoignent ses nombreux portraits à la mine de plomb. De cette période romaine date Jupiter et Thétis (1811, Musée d'Aix-en-Provence), œuvre très mal reçue par le public de l'époque, mais déjà caractéristique de son style.

Les trompettes de la renommée

 

En 1820, il quitte Rome pour Florence, où il reste quatre ans et travaille à une commande du gouvernement français : Vœu de Louis XIII (1820, cathédrale de Montauban). Présenté au Salon de 1824, son tableau connaît un véritable triomphe. Le retour d'Ingres à Paris est marqué par le succès ; il est promu par la critique chef de file du courant néoclassique qui s'oppose alors au jeune mouvement romantique mené par Eugène Delacroix et Théodore Géricault. Pendant dix années, il forme dans son atelier parisien de nombreux peintres (notamment Théodore Chassériau et Hippolyte Flandrin) et, parmi de nombreuses commandes, réalise l'Apothéose d'Homère (1827) pour le plafond de la salle Clarac du Louvre.

Très amer au lendemain du mauvais accueil que reçoit son Martyre de saint Symphorien (1834, cathédrale d'Autun), il repart pour l'Italie et accepte en 1835 la direction de l'Académie de France (villa Médicis) à Rome. à l'issue de son mandat de sept ans, conduit avec une irréprochable rigueur, il revient à Paris où il est adulé par la critique.
Sa double position de peintre et de porte-parole officiel de l'art académique contre le romantisme se renforce et il est promu commandeur de la Légion d'honneur en 1845. Lors de l'Exposition universelle de 1855, il se voit décerner une médaille d'or, au même titre que son principal rival, Delacroix.

 Un grand portraitiste

 

Outre ses nombreuses peintures décoratives, ou encore ses cartons de vitraux pour la chapelle royale de Dreux, ses portraits marquent particulièrement l'évolution du genre. Ses qualités de dessinateur et son acuité psychologique alliées à la précision du trait en font en effet un portraitiste de grand talent. M. Bertin (1832, Musée du Louvre, Paris), Mme Moitessier (1851, National Gallery of Art, Washington) et la Comtesse d'Haussonville (1845, Frick Collection, New York) sont à cet égard des exemples très représentatifs. Davantage que la représentation fidèle du modèle, c'est le trait distinctif qu'il recherche et sur lequel il met l'accent.

La vieillesse n'entame en rien la productivité d'Ingres, qui livre, à l'âge de quatre-vingt-deux ans, le célèbre Bain turc (1862, Musée du Louvre, Paris), sommet de sa maîtrise du nu féminin. à sa mort en 1867, il lègue la majeure partie de son œuvre à la ville de Montauban qui crée le Musée Ingres.

Par-delà son appartenance au mouvement néoclassique qui parfois ne le reconnaît pas, il est plus difficilement classable que ne l'ont cru ses contemporains. Il est en réalité l'initiateur d'un courant artistique dont les répercussions dépassent de beaucoup son siècle et que l'on a nommé après lui l'ingrisme. De nombreux artistes, parmi lesquels Edgar Degas et Pierre-Auguste Renoir dans la seconde moitié du XIXe siècle, puis Henri Matisse et Pablo Picasso au XXe siècle, se sont réclamé en effet de son œuvre.

 

François Boucher, né le 29 septembre 1703 à Paris où il est mort le 30 mai 1770, est un peintre et goguettier français du XVIIIe siècle

 
Il est fils unique du peintre de l'académie de Saint-Luc Nicolas Boucher. Boucher reçoit ses premières leçons de son père.
 
Puis vers 1720, il entre dans l'atelier du graveur J.Fr Cars, pour qui, il produit ses premières gravures d'illustration. A partir de 1722, il travaille pour le collectionneur Julienne à la publication des Figures de différents caractères (1726-1728). 119 des 351 planches sont gravées par Boucher. Puis il participe à l'"œuvre gravée" de Watteau (1735). 21 pièces sont gravées par Boucher.

Parallèlement, il perfectionne son apprentissage de la peinture à l'huile auprès de François Lemoyne. Il remporte le Grand prix de peinture en 1723, et séjourne en Italie de 1727 à 1731.
 
En 1731, il est agréé à l'Académie de peinture et de sculpture, puis reçu en 1734 sur présentation d'un tableau qui se trouve maintenant au Louvre : Renaud et Armide.
 
Même s'il a été marqué par le style du peintre Lemoyne, vers 1736, Boucher trouve son style propre en devenant , en peinture, le maitre incontesté du style rococco

Il obtient à son retour d'Italie des succès de société, ainsi que la faveur de Madame de Pompadour, et devient le peintre à la mode. Membre de la célèbre goguette de la Société du Caveau, il y apporte souvent ses dessins pour les montrer. Ceux-ci, parfois, inspirent aux convives des sujets de chansons. Charles Pinot Duclos fait le pari de s'inspirer, pour écrire, d'estampes réalisées pour illustrer un texte de Charles Gustave de Tessin : Faunillane ou l’Infante jaune. Il compose alors le conte féerique Acajou et Zirphile4. François Boucher est admis à l'Académie royale de peinture et de sculpture en tant que membre en 1734 et succède à Carle Vanloo comme Premier Peintre de Louis XV en 1765. Il travaille avec une extrême facilité et se vante d'avoir gagné jusqu'à 50 000 francs par an.

Il puise son inspiration dans l'univers poétique de la mythologie d'Ovide ( L'enlèvement d'Europe - 1747 - Louvre) et des scènes pastorales. Il peint aussi des scènes de la vie familiale (Le déjeuner - 1736 - Louvre), des paysages ( Le moulin - 1751- Louvre), des portraits et des tableaux religieux.
 
Boucher ne cherche pas à reproduire la réalité. Il est un peintre précieux et sensuel, utilisant des coloris brillant, des lignes serpentines et une profusion d'accessoires pittoresques. Il sera surnommé de son vivant "Le Peintre des Grâces" à cause de sa prédilection pour les nus féminins.
 
Il fournira aussi de nombreux cartons de tapisserie à la Manufacture de Beauvais et à la Manufacture des Gobelins. Il dirigea cette dernière à partir de 1755.

Il participe à la décoration des châteaux de Versailles et de Fontainebleau, à celle du Cabinet des Médailles (1741-1746) situé au sein de la Bibliothèque Nationale.
 
Il invente des décors pour le théâtre et l'Opéra.
 
Il donne,aussi, de nombreux modèles à la Manufacture de Sèvres, essentiellement, entre 1757 et 1767.
 
Son style passe de mode avec l'arrivée du néoclassicisme vers 1760. Jusqu'à sa mort, en 1770, Boucher garde son style et expose ses œuvres au Salon sauf en 1767