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    Pierre Paul Rubens , ou Peter Paul Rubens en néerlandais, né le 28 juin 1577 à Siegen (Westphalie) et mort le 30 mai 1640 à Anvers, est un peintre baroque flamand.

    Pierre Paul Rubens naît à Siegen en Westphalie, dans le Saint-Empire romain germanique à 300 km d'Anvers. Son père, Jan Rubens (1530-1587) avocat protestant prospère et sa mère, Maria Pypelinckx (1537-1608) avaient quitté Anvers (Pays-Bas espagnols) pour échapper à la persécution des protestants dans les Pays-Bas espagnols. En 1589, deux ans après la mort de son père, Rubens et sa mère rentrent à Anvers, où il est baptisé dans la religion catholique. Beaucoup de ses tableaux représentent des sujets religieux.

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    À Anvers, il est placé en apprentissage de 1589 à 1598 chez quelques peintres éminents de son époque (entre autres Adam van Noort et Otto van Veen). Sur leurs conseils, il part en Italie de 1600 à 1608 pour étudier les œuvres de la Renaissance. Il séjourne notamment à Gênes, Mantoue, Venise et Rome où il assimile les styles et copie les œuvres de Raphaël, Le Caravage, et surtout Titien dont il retient la fougue du coloris. À son retour à Anvers en 1608, le souvenir de l'Italie se perpétue également dans sa signature, qui ne changera jamais : « Pietro Paolo Rubens ».
     
    Il comprend le français, l'allemand, l'italien, l'espagnol et le latin.

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    Il est le peintre officiel de la Cour d'Albert et Isabelle, souverains des Pays-Bas de 1609 à 1621, de la Cour de l'Infante Isabelle de 1621 à 1633, de la cour du cardinal infant Ferdinand de 1636 à 1640.
     
    Il est marié de 1609 à 1626 à Isabella Brant, puis à partir de 1630 à Hélène Fourment. Il a trois enfants de sa première union : Serena ; Albert ; Nicolas. Seigneur de Ramey, mort le 28 septembre 1655, celui-ci épouse, le 9 octobre 1640 à Saint-Jacques d'Anvers, Constance Helman, née le 22 août 1509, 5e enfant de Ferdinant, échevin d'Anvers, et de sa première épouse, Anne Hellemans, épousée à Saint Jacques le 29 janvier 15804. Il a quatre enfants de la seconde : Clara Johanna ; François ; Hélène ; Pierre Paul.
     
    Pierre Rubens est anobli en tant que « noble de la maison de la sérénissime infante » en 1624 par Philippe IV d'Espagne et fait chevalier par le roi Charles Ier d'Angleterre pour le récompenser de ses efforts diplomatiques à faire aboutir un traité de paix entre l'Espagne et l'Angleterre.

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    On lui confie la réalisation du plafond peint de la Maison des banquets au Palais de Whitehall. Mais sa commande la plus importante est celle de soixante toiles pour la décoration du pavillon de chasse, la Torre de la Parada de Philippe IV d'Espagne, (Les métamorphoses). On peut également citer la décoration de la Galerie Médicis au Palais du Luxembourg, cycle décoratif sur la vie de la reine de France et veuve d'Henri IV, Marie de Médicis, peint entre 1622 et 1625 et aujourd'hui conservé au musée du Louvre.
     
    En 1635-1636, Rubens peint un Jugement de Pâris, directement élaboré à partir du Jugement de Pâris de Raphaël, gravé par Raimondi. La seule différence est que Rubens s'inspire de l'œuvre vue en miroir. C'est cette œuvre de Raphaël, vue en miroir, qui permettra par la suite à Picasso de peindre ses Demoiselles d'Avignon en 1907, peinture qui aurait dû porter comme titre Le Jugement de Pâris.
     
    Lorsque Marie de Médicis connaît son ultime exil, c'est Rubens qui la recueille et qui la protège jusqu'à sa mort. Elle finit d'ailleurs sa vie, deux ans après la mort du peintre, dans la maison natale de celui-ci.
     
    Rubens tombe malade et son état s’aggrave, il meurt en 1640. Il est enterré à l'église Saint-Jacques (Sint-Jacobskerk) d'Anvers.

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    Johannes Vermeer (1632 - 15 décembre 1675)

    Peu de détails de la vie de Vermeer sont connus , on sait cependant qu'il était le second enfant de Reynier Jansz et de Digna Vermeer baptisé le 31 octobre 1632 dans la Nouvelle Église de Delft, .
    En 1641, Reynier Jansz achète la maison "Mechelen" à Delft. Son père, tisserand, hôtelier, est inscrit à la guilde de Saint-Luc comme Konstverkoper ( marchand d'objets d'art), Jan Vermeer verra ainsi ses premiers tableaux chez son père.

    Le 20 avril 1653, à l'Hôtel de Ville de Delft, il épouse Catharina Bolnes, originaire de Gouda et de 5 ans son aînée. Ils auront 15 enfants dont 4 ne survivront pas.

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    Certains spécialistes pensèrent que Vermeer fut l' élève de Leonaert Bramer , d'autres jugèrent impossible cette filiation compte tenu des différences stylistiques de deux peintres, on supposa aussi qu' il fut l' élève De Carel Fabritius qui périra lors de l'explosion de la poudrière de Delft. en 1654.
    Le 29 décembre 1653, Vermeer s'inscrit comme artiste indépendant dans la guilde de Saint-Luc de Delft , dont il sera élu syndic de la guilde en 1662.

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    Jusqu'en 1660 le couple vécut au 'Mechelen" avant de s'installer chez Maria Thins sa belle-mère, qui disposait d'une confortable situation.
    On pense que Vermeer comme son père exerçait une activité de marchand d'art tout en réalisant ses toiles souvent destinées à de riches mécènes et protecteurs . Parmi eux un boulanger Hendrick Van Buyten et un imprimeur Jacob Dissius de Delft qui possédait une vingtaine de toiles soit prés de la moitié de la production artistique de Vermeer...
    Vermeer était aussi sollicité en tant qu'expert en tableaux.

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    L'année 1672 qui marqua le début de la guerre franco-hollandaise entraîna des conséquences dramatiques pour Vermeer qui perdit les revenus des fermes et fermages suite aux inondations volontairement pratiquées pour se défendre des armées françaises. Pour élever sa nombreuse famille il fit des emprunts, ses toiles ne se vendaient pas.
    Vermeer fut très affecté par cette situation :
    Le 16 décembre 1675, Johannes Vermeer, à quarante-trois ans, est enseveli dans la Vieille Église de Delft.

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    Nom de naissance : Paolo Caliari


    Naissance : 1528 (Vérone, république de Venise) 

     

    Dédès : 19 avril 1588 (60 ans)

     Formation : Ecole Véronaise

                 Maître : Antonio Badille    

     Mouvement artistique : Maniérisme

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    Œuvres réputées
     
    Les Noces de Cana, Le Repas chez Levi

     

    Paolo Caliari, dit Véronèse, né en 1528 à Vérone et mort le 19 avril 1588 à Venise, est un peintre maniériste italien.

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    Bien qu'il ait joui d'une réelle popularité de son vivant, notamment à Venise, il fut ignoré des critiques de son temps qui parlent de l’art vénitien, seul Francesco Sansovino parlant de lui dans son Guide de 1556. Pourtant, Véronèse constituait avec Titien et Le Tintoret le triumvirat des peintres vénitiens de la Renaissance tardive.

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    Véronèse est connu comme un grand coloriste ainsi que pour ses décorations illusionnistes (trompe-l’œil) en fresque et huile. Ses travaux les plus connus sont des cycles narratifs raffinés, exécutés selon le style dramatique et coloré des maniéristes, avec des arrangements majestueux et scintillants.

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     Jacopo Robusti, dit Tintoretto, en français Le Tintoret, (né le 29 septembre 1518 à Venise, alors capitale de la République de Venise, où il est mort le 31 mai 1594) est un peintre italien de la Renaissance, que l’on associe au courant maniériste de l’école vénitienne.

    Le Tintoret, de son vrai nom Jacopo Comin1 est né à Venise et doit son surnom (« le petit teinturier ») à son père, Battista Robusti, qui travaillait dans une teinturerie (tintorìa en italien). Élève de Titien, il est réputé pour avoir dépassé son professeur dans la maîtrise des couleurs et des ombres, du rendu de la matière, s’inscrivant ainsi parmi les grands du style vénitien. Avant d’être admis à participer à une œuvre nouvelle, tout élève apprend le métier en copiant le travail du maître. Le garçon est-il trop impatient d’affirmer sa personnalité ? Ou bien le patron a-t-il surpris quelques dessins de lui et l’a-t-il renvoyé de crainte que de pareils débuts ne révèlent un concurrent potentiel ? Toujours est-il que Jacopo ne reste que quelques mois chez Titien. Il s’intéresse aux courants maniéristes toscan, romain et émilien, diffusés à Venise par des artistes comme Sansovino, Salviati et Schiavone. Il avait une grande admiration pour Michel-Ange qui l’a influencé dans sa technique du dessin. Le Tintoret avait une passion pour les effets de lumière : il réalisait des statues de cire de ses modèles et expérimentait l’orientation des sources de lumière avant de les peindre. En conséquence, certains visages réapparaissent dans différents travaux, sous différents angles et sous un éclairage différent.

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    Une comparaison de l’œuvre de Tintoretto La Cène (Ultima cena) avec l’œuvre de Léonard de Vinci qui porte le même nom permet de visualiser l’évolution des styles artistiques à la renaissance. Le traitement par Léonard est très classique. Les disciples sont disposés autour du Christ dans une symétrie presque mathématique. Entre les mains de Tintoretto, le même événement devient dramatiquement torturé. Les silhouettes humaines sont écrasées par l’apparition d’êtres fantomatiques. La scène se passe dans une sombre taverne populaire, où les auréoles des saints apportent une étrange lumière qui souligne des détails incongrus. Le ton est résolument baroque.

    Les œuvres les plus connues de Tintoretto sont une série de peintures de scènes de la vie de Jésus et de la Vierge Marie dans la Scuola Grande di San Rocco, dont il est nommé décorateur officiel en 1564. Dans ces œuvres de dimensions impressionnantes, le Tintoret réalise des compositions aux « espaces vertigineux et dynamiques » et aux « torsions exacerbées » où domine « un clair-obscur fantomatique et dramatique »

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    Entre 1578 et 1580 il se rend à Mantoue pour travailler au service du duc Guillaume Gonzague. À cause de son immense popularité, Tintoretto dut souvent recourir à l’assistance de ses enfants, Domenico et Marietta Robusti, qui étaient tous deux des artistes confirmés, très influencés par le style de leur père. Dans son atelier ont aussi travaillé Paolo Fiammingo, Ludovic Toeput, Martin de Vos et l’Aliense.

    Il meurt le 31 mai 1594 à Venise.

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    Le Titien


    (1488-1576)


    Biographie

    Comme chez tous les grands maîtres italiens (Raphaël, Michel-Ange…), c'est le prénom du peintre qui a été retenu pour le dénommer et non son nom de famille. Le Titien est né à côté de Venise (sur la terre ferme et non dans la lagune), autour de 1488 (la date exacte est ignorée). Il est mort à environ 90 ans. Sa carrière est indissociable de la ville de Venise, alors à son apogée.
    Issu d'une famille de notables, il reçoit tout d'abord une formation chez un mosaïste. Il entre ensuite dans l'atelier des Bellini. Le père, Jacopo, est un peintre et théoricien, qui a introduit à Venise la perspective découverte à Florence. L'atelier appartient à son fils aîné, Gentile, mais Titien s'inspire surtout du plus talentueux des trois fils, Giovanni, qui accorde, dans sa peinture, la primauté à la couleur. Enfin, le Titien reçoit une dernière influence, celle de Giorgione (mort en 1510), qui établit dans ses œuvres une sorte de synthèse entre les clair-obscur de Vinci et la couleur de Bellini.

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      Jeune fille au miroir

    Il s'agit d'un des premiers portraits du Titien. Il ne s'y est pas encore affranchi de l'héritage de ses maîtres (présence d'un parapet hérité du Giorgione au premier plan). Néanmoins, il y fait déjà preuve d'originalité en cadrant le portrait assez bas, ce qui restera une caractéristique de sa pratique du portrait.

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    Vierge au lapin

    Il s'agit d'une Vierge à l'enfant, accompagnée de Sainte Catherine d'Alexandrie, dont là composition asymétrique évoque l'influence du Corrège. Le berger qui caresse une brebis noire constitue peut-être un rappel de l'antiquité païenne. Le renouveau de la nature est foisonnant de symbole. Le lapin incarne la pureté mariale . Les fruits de la corbeille évoquent le péché (pomme) et la Rédemption (raisin).

    Les couleurs des vêtements des personnages et du paysage se répondent (bleu et orange du ciel et de la tenue de Sainte Catherine).

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    La Vénus d’Urbin affirme sans détour sa sensualité et sa séduction dans une œuvre qui montre le naturalisme tout en nuance de Titien. Le peintre révèle encore une fois au spectateur sa capacité à représenter une réalité concrète, un moment et un climat particuliers. Construit sur le modèle de la Vénus de Giorgione, il s'en détache grâce à l'environnement somptueux, aux servantes et surtout au regard de la femme qui se pose sur le spectateur. Ces éléments permettent de briser l'isolement mythique dans lequel Giorgione avait placé son idéal de la beauté.

     

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    Portrait de François Ier (1538-39)

    Le Titien, qui n'a jamais vu le roi, a réalisé son portrait d'après une médaille, qui explique d'ailleurs la pose retenue pour peindre le roi (le profil, au XVIe, est un archaïsme). Alors que les portraits réalisés par Clouet sont froids (l'intérêt pour la psychologie des sujets n'a pas encore pénétré la peinture française), il ressort du visage peint par le Titien une certaine bonhomie, liée à la réputation du souverain.

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    Portrait de l'homme au gant

    Dans ce portrait, le Titien s'affranchit de Giorgione (suppression du parapet) et du modèle classique. Au XVe siècle, le portrait classique est en buste, avec la tête complètement de profil. Dans la seconde moitié du siècle, il est fait de trois quarts. Titien rénove le portrait en le cadrant plus bas, et en adoptant un format plus large. Il insiste aussi sur la transcription picturale de la dimension psychologique des personnages. Pour cela, il réduit la palette de couleur du fond, et utilise pour le visage des couleurs plus chaudes qui le mettent en valeur. La collerette au poignet est également une invention du Titien, destinée à valoriser les mains.

    Le souper à Emmaüs; Le TITIEN

     Jésus et les pèlerins d'Emmaüs

    Le tableau est très clairement inspiré de la Cène de Léonard de Vinci. Saint Luc, à gauche, a le même geste que Judas. Les disciples manifestent ici leur étonnement : contrairement aux aubergistes, ils ont reconnu le geste du Christ lorsqu'il rompt le pain.
    De nouveau, l'espace est à moitié ouvert. La vivacité des couleurs, à gauche, vient compenser l'ouverture, à droite.

    Et maintenant un défilé de peintures de le Titien....

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    Raffaello Sanzio, plus connu sous le nom de Raphaël (Raffaello), né le 6 avril 1483 à Urbin, mort le 6 avril 1520 à Rome est un peintre et architecte italien de la Renaissance. Il est aussi appelé Raffaello Santi, Raffaello da Urbino, Raffaello Sanzio de Urbino.

    Il était le fils du peintre Giovanni Santi, peintre et poète officiel de la cour de Frédéric III de Montefeltro, un des princes les plus célèbres et protecteur des arts de la Renaissance en Italie. Urbin est alors un foyer artistique réputé à l’aube du XVIe siècle.

    Il est l’une des figures les plus emblématiques avec Michel Ange et Leonard de Vinci de la Renaissance Italienne. Il a réussi à montrer mieux que quiconque la beauté suprême, la grâce.

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    La vie de Raphaël peut être séparée en trois périodes :

    Ses premières années 1483-1504

    Raffaello Santi ou Sanzio est né en avril 1483 à Urbino, ville qui à la fin du XVe siècle, se développe et qui a un rayonnement culturel important en Italie. C’est auprès de son père, peintre et poète officiel de la cour du Duc de Montefeltre qu’il acquiert les premiers rudiments de la peinture. En 1494, il part à Pérouse peu avant ou peu après la mort de son père pour étudier dans l’atelier du peintre Pietro Vannucci, plus connu sous le nom de Pérugin.

    Déjà il est doué d’un talent remarquable. Il observe tant son maître que certaines œuvres de cette période ont du mal à être attribuées. Dès 1500, il devient maître et il peut créer son atelier. Les tableaux de cette époque sont très marqués par l’influence du Pérugin, mais ses compositions sont déjà plus légères et plus sensibles. L’œuvre la plus emblématique de cette première période est « Le mariage de la Vierge » de 1504, son premier chef-d’œuvre.

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    Ses années Florentines 1504-1508
    Agé de 21 ans, en 1504, il quitte Pérouse pour Florence. Il y rencontre Michel Ange et Leonard de Vinci qui l’influenceront beaucoup, Fra Bartolomeo, mais aussi Bernardino di Betto (Il Pinturicchio). Ses œuvres se caractérisent alors par une harmonie entre le dessin et la couleur, un équilibre de la composition, une plasticité des figures, une sensibilité et une douceur extrême. En témoignent une série de commandes de Saintes Familles « La Vierge dans la prairie » (1506), «La Vierge au Chardonneret » (1507), « La belle jardinière » (1507) du musée du Louvre.

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    Rome 1508-1520
    En 1508, introduit par Bramante, Raphaël est appelé à Rome par le pape Jules II, ébloui par son talent. Celui ci lui confie la décoration des fameuses chambres Vaticanes, des fresques murales qui lui demandent de toutes autres exigences et dans lesquelles il déploiera son génie : La Chambre de la Signature (1508-1511) pour laquelle il réalise la fameuse « Ecole D’Athènes », La Chambre D’Héliodore (1511-1514).

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    C’est également à cette époque que Raphaël rencontre celle qui sera le grand amour de sa vie. La Fornarina, surnommée ainsi parce qu’elle est la fille d’un boulanger, restera son amante durant toute sa vie. Femme d’une grande beauté, elle est très courtisée, ce qui inquiéte Raphaël qui, d’un naturel jaloux, qui n’hésite pas à interrompre son travail pour la rejoindre.

    Il continuera sous le pape Léon X qui accroîtra encore ses responsabilités et son influence. Il réalise La Chambre de l’incendie du Bourg (1514-1517), Les loges du Vatican (1517-1519). En 1517 à la mort de Bramante, il devient l’architecte de la Basilique Saint pierre. Il dessine alors les plans de nombreux édifices à Rome et à Florence.
    Son art pictural s’exprime aussi dans des retables et des tableaux de dévotion : « Baldassare Castiglione » en 1515 conservé au Louvre, « La Velata » en 1516. Durant cette période, il rencontrera son grand amour, La Fornarina, qu’il immortalisera dans un portrait daté de 1518-1519.

    Il meurt atteint par la malaria en 1520 à l’âge de 37 ans. Il est enterré selon ses volontés au Panthéon à Rome entouré de ses élèves. Il était de son vivant déjà considéré comme un génie et sa mort précoce accentuera son mythe. Son art fait de mesure, de grâce et d’harmonie a profondément influencé la peinture occidentale jusqu’au XIXe siècle.

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    Casanova disait qu’aucun peintre n’a surpassé Raphaël dans la beauté des figures. Delacroix affirmait que le simple nom de Raphaël rappelle à l’esprit tout ce qu’il y a de plus élevé dans la peinture. De même, Ingres vouait un véritable culte à Raphaël, tant dans son style dominé par un graphisme proche du maître de la Renaissance que d’hommages récurrents à son oeuvre.

     

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    Peintre vénitien (1476/8-1510). Élève de Bellini, condisciple et maître du Titien dont l'oeuvre prolonge la sienne, il est l'auteur d'une oeuvre aussi rare qu'énigmatique. Vasari le classe au rang des «créateurs de l'art moderne» en compagnie de Léonard de Vinci, auquel on le peut le comparer, non seulement par l'usage précurseur qu'il fit du glacis pour conférer à ses toiles leur qualité «atmosphérique», mais aussi par cet univers empreint d'une rêverie philosophique qu'il expose dans des tableaux comme La Tempête ou les Trois Philosophes. Fruit d'un «insaissisable prodige» , le mystère entourant son oeuvre demeure encore aujourd'hui tout entier.

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    «Certaines peintures "temporisent", engendrent leur temps dans le temps, au-delà même des puissances du langage. Voyez Il Tramonto de Giorgione, ou sa Tempête. Observez Le Bal champêtre ou La partie carrée de Watteau. Ces peintures nous attirent dans une grille temporelle qui fait partie intégrante d'elles-mêmes. Affirmer que les paysages, les personnages ou les mouvements dépeints sont "hors du temps» serait inexact

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    Bien au contraire, dans la composition de Giorgione, dans le regroupement de Watteau, le sentiment de la présence du temps, de son Da-sein , est irrésistible. Mais le temps représenté n'est pas celui du spectateur. Et l'insaissisable prodige de ces toiles vient de l'instabilité qu'elles font naître dans nos perceptions, de la nécessité, jamais comblée, de renégocier à chaque instant la non-correspondance entre le temps de la peinture et celui du musée. Comme de juste, la manière dont cela se fait ne se laisse pas appréhender par les mots ou par une décomposition analytique.»

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  • sixtine01

    la chapelle Sixtine

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    Né à Caprese, près d'Arezzo, le 6 mars 1475, Michel-Ange entre à 14 ans en apprentissage chez un artiste important, Domenico Ghirlandaio. Celui-ci détecte immédiatement chez l'enfant des talents très supérieurs aux siens. Il l'introduit auprès de Laurent de Médicis, dit le Magnifique, maître tout-puissant de Florence et principal mécène de son temps.
    Après la chute des Médicis, Michel-Ange se réfugie à Rome (1496). On est au temps où triomphent l'humanisme et l'individualisme. L’artiste commença à réaliser presque au même moment sa célèbre Piéta, demeurée depuis dans la basilique Saint Pierre au Vatican, un chef d’œuvre qu’il termina alors qu’il n’avait pas vingt-cinq ans. En montrant la Vierge assise en majesté, l’air résigné, tenant le Christ mort allongé sur ses genoux, Michel-Ange s’inspira d’un thème très en vogue en Europe du Nord. Quelques jours après l’installation de cette statue dans la basilique Saint-Pierre, Michel-Ange entendit un pèlerin dire qu’elle avait été réalisée par l’artiste lombard Christoforo Solari. Fou de rage, il prit un ciseau et un marteau et insculpa sur l’écharpe bordant en diagonale la poitrine de la Vierge la mention suivante : Michel-Angelus Bonarotus Florent Facibat (Michel Angle le Florentin l’a réalisée) pour bien spécifier qu’il en était l’auteur. Ce fut d’ailleurs la seule sculpture sur laquelle il apposa sa signature ayant ensuite regretté son emportement et fait vœu de ne plus signer aucune œuvre.

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    A Rome, l'artiste se fait remarquer par son tempérament taciturne et ses manières très peu
    sociables (la mort de la mère de l'artiste alors qu'il avait six ans l'a traumatisé). Il est en butte à la concurrence du doux Raphaël et de quelques autres artistes plus accommodants que lui.
    En août 1501, la République fut à nouveau proclamée à Florence et Michel-Ange adhéra pleinement au nouvel ordre mis en place. Le 16 août, la Guilde des Lainiers, qui était en charge de l’entretien et de la décoration de la cathédrale de la ville, lui commanda une sculpture représentant David. Cette gigantesque statue en marbre mesurant 4,34 mètres de hauteur, aujourd’hui à l’Accademia de Florence, fut réalisée entre 1501 et 1504.

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     Michelangelo-Testa-David

    Avide d'en remontrer aux puissants de ce monde, Jules II demande à Michel-Ange, en 1508, de décorer la voûte de la chapelle Sixtine. Les murs de cette chapelle vaticane avaient déjà été peints à fresque par d'illustres prédécesseurs tels Botticelli, Ghirlandaio ou Le Pérugin en 1481-1483, à la demande du pape Sixte IV qui lui avait laissé son nom.
    Michel-Ange, qui s'estime plus sculpteur que peintre, hésite. En définitive, vaincu par l'obstination du pape, il passera quatre années pénibles sur les échafaudages et nous laissera 800 m2 de fresques imposantes, représentant la création du monde, de l'Homme et le Déluge. Extrêmement méfiant, il ne permit à personne de voir le déroulement de son travail, sauf au pape qui n’hésita pas à monter plusieurs fois au péril de sa vie sur l’impressionnant échafaudage.

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    Chapelle sixtine Glast-judgement-painting-in-the-sistine-chapel

    Avant d’être chargé de la décoration du plafond de la Chapelle Sixtine, Michel-Ange avait reçu commande du pape Jules II pour exécuter son tombeau lequel se devait d’être le plus beau monument jamais réalisé durant l’ère chrétienne. Il devait être placé dans la nouvelle Basilique de St Pierre alors en construction. Mais en raison d’un manque de fonds, le pape lui demanda d’être moins ambitieux et il dut se résigner à réduire les proportions du monument. Néanmoins, il produisit certaines de ses plus belles sculptures pour ce tombeau de Jules II, notamment son Moïse.
    En 1528 lorsque le nouveau gouvernement florentin lui demanda de dresser des plans de défense contre les assiégeants (des mercenaires allemands). Le 10 janvier 1529, il devint, avec le titre d’expert en fortifications, un des neuf membres de la Nove della Milizia, chargée de diriger les forces de défense de Florence. Toutefois, persuadé que l’attaque des troupes assiégeant la ville était imminente, il prit la décision de fuir pour Venise et fut ainsi exilé de Florence dont le Conseil le considéra comme traître à sa patrie.
    En 1534, les papes Clément VII, puis Paul III demanderont à Michel-Ange une nouvelle fresque pour le mur de l'autel. Ce sera le grandiose Jugement dernier. La plupart des personnages, comme ceux montant au Paradis ou ceux allant en Enfer, étaient nus alors que Michel-Ange s'était lui-même représenté sous les traits de Saint Barthélemy. Dix ans plus tard, des draperies avaient déjà été ajoutées par un autre artiste alors que les temps à Rome étaient devenus plus austères.

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     Peu après le saccage de Rome par les lansquenets allemands de l'empereur Charles Quint (1527), le pape Paul III demande à l'artiste de réaménager la place du Capitole, siège du Sénat de la ville. Michel-Ange dessine le plan actuel, remarquable d'équilibre et d'harmonie, avec au centre de la petite place la statue en bronze de l'empereur Marc-Aurèle, héritée de l'Antiquité.
    En 1546, le même pape confie à Michel-Ange, architecte-en-chef du Vatican, le soin de reprendre la construction de la basilique Saint-Pierre de Rome, délaissée depuis la mort de l'architecte Bramante, 32 ans plus tôt. Michel-Ange remanie les plans de son ancien rival et dessine une majestueuse coupole (136,50 mètres de hauteur totale).

    Le 18 février 1564, Michelangelo Buonarroti, plus connu sous le nom de Michel-Ange, meurt à Rome à l'âge de 89 ans.
    Jusqu'à sa mort en pleine gloire, l'artiste toscan a poursuivi une collaboration âpre et féconde avec tous les papes de la Renaissance, à commencer par Jules II.

    Voici quelques statues

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         maintenant des peintures

    9j5sz6tq Michel-Ange

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    J'espère que cet article vous a plu !..... Quel artiste !.....

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  • Albrecht Dürer 062

    Albrecht Dürer


    Naissance
     
    21 mai 1471
     Nuremberg, Bavière (Allemagne)


    Décès
     
    6 avril 1528
     Nuremberg, Bavière (Allemagne)

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    Albrecht Dürer (en allemand, Albrecht Dürer der Jüngere), né le 21 mai 1471 et mort en 1528 à Nuremberg est un peintre, graveur et mathématicien allemand. Il signe Albertus Dürer Noricus (de Nuremberg) ou Dürer Alemanus

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    Albrecht Dürer1 est le troisième enfant d'Albrecht Dürer l'Ancien, orfèvre originaire de Hongrie et arrivé à Nuremberg en 1455. Son grand-père est Hartman Schedel, orfèvre devenu imprimeur qui édita la Chronique de Nuremberg et l"illustra en 14932. Selon la tradition familiale, Albrecht est lui aussi destiné au métier d'orfèvre. À 13 ans, il devient donc l'apprenti pendant trois ans et apprend à se servir du burin et de la pointe. Voyant les dons de son fils pour le dessin, Albrecht Dürer l'Ancien lui donne la permission d'entrer dans l'atelier d'un peintre. C'est ainsi qu'en 1486, il devient l'apprenti de Michael Wolgemut, avec qui il apprend à manier la plume et le pinceau, à copier et dessiner d'après nature, à réaliser des paysages à la gouache et à l'aquarelle et également à peindre à l'huile. Il se familiarise également avec la technique de gravure sur bois. Il y reste trois ans .

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    Comme le veut la coutume pour les jeunes artistes, Dürer prendra route dès qu'il a terminé son apprentissage, c'est-à-dire après Pâques, le 11 avril 1490. Il devait, semble-t-il gagner Colmar pour y travailler auprès de Martin Schongauer. D'après ses propres notes, il s'y rendra vraiment mais il arrive trop tard, Martin Schongauer est décédé le 2 février 1491. Il y a donc une période de plus d'un an et demi où on ne sait où il était et nombre d'hypothèses ont été échafaudées. Les indices le supposent en Hollande, d'où il aurait remonté le cours du Rhin pour arriver à Colmar en 1492. Les frères de Schongauer l'accueillent, mais il fera fort vite le tour de l'atelier, et se rendra ensuite à Bâle chez un autre frère, Georg, orfèvre nanti de la ville, où il arrive à la fin du printemps 1492. Il fait rapidement connaissance avec Nicolaus Kessler, éditeur, qui publiera une page-titre réalisée par Dürer d'une Vie de Saint-Gérôme. Il rencontrera alors trois autres éditeurs : Amerbach avec qui il aura une amitié durable, Furter et Bergmann. À l'Automne 1493, Dürer quitte Bâle pour Strasbourg. Il réalise au moins deux portraits et « reçoit » l'ordre de rentrer à Nuremberg où il arrive le 18 Mai 1494. Il y épouse la jeune Agnès Frey.

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    Premier voyage en Italie
     
    Presque aussitôt, peut-être pour fuir une épidémie de peste mais probablement pour revoir Pikheimer qui est étudiant à Pavie, à l'automne 1494, il la quitte pour faire un voyage en Italie, à Venise, et peut-être Padoue, Mantoue et Crémone, voyage où il va réaliser la plupart de ses aquarelles.
     
    Deuxième voyage en Italie
     
    En été ou automne 1505, il va faire une second voyage a Venise, dont la cause directe est semble-t-il une nouvelle épidémie de peste, il va s'arrêter à Augsbourg avant de se rendre à Venise. Il séjourne peut-être à Florence mais certainement à Padoue, où on retrouve son portrait dans une fresque dans la Scuoletta del Carmine attribué à Domenico Campagnola. Il revient à Nuremberg en 15074. On lui a fait la commande d'un retable pour l'autel de Notre-Dame, dans l'église nationale de la colonie allemande à San Bartolommeo, La Vierge de la Fête du Rosaire. En 1507, Dürer rentre à Nuremberg et entreprend d'étudier les langues et les mathématiques. Ce séjour va le marquer profondément.

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    En 1512, il reçoit une pension de l'empereur Maximilien de Habsbourg avec titres de noblesse en devenant le peintre de la cour. Il en fait le portrait. Au décès de l'empereur Maximilien Ier, il entreprend un voyage en Hollande en juillet 1520, accompagné de sa femme et de sa servante où il rencontrera notamment Erasme, pour récupérer une pension auprès du nouvel empereur Charles Quint.
     
    Article détaillé : Le voyage aux Pays-Bas.
     
    Membre du « Grand Conseil »
     
    Membre du « Grand Conseil » de la ville de Nuremberg, il siégea en 1518 à la Diète d'Augbourg — il réalisera les esquisses nécessaires aux portraits de Maximilien Ier, — avec les représentants de la ville et accompagna en Suisse Willibald Pirckheimer, chargé par le conseil, en 1519, avec Maria Tucher, d'une mission à Zurich.

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    À Bruxelles, en 1520, il fut convié à faire partie de l'ambassade nurembergeoise chargée d'apporter les joyaux du couronnement de Charles-Quint et prit part avec elle, aux cérémonies du sacre de Maximilien Ier du Saint-Empire à Aix-la-Chapelle, puis accompagna son ambassade à Cologne. La ville de Nuremberg refusa qu'il participe aux frais: ils n'ont rien voulu recevoir de moi en paiement, note-t-il dans son journal non sans une certaine satisfaction.
     
    Il est manifeste qu'il était admiré de son temps et avait conquis une place particulière: une délibération du Grand Conseil à propos d'une infraction à une loi d'urbanisme lui inflige une amende, mais suivie d'un dédommagement sous la forme d'une récompense honorifique du même montant.

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    C'est en 1526, qu' il peint Les Quatre Apôtres. Il écrit des livres parmi lesquels Les Règles de la Peinture ou le Traité des proportions du corps humain publié en 1525 et traduit par Louis Meigret en 1557. Il illustre plusieurs ouvrages, tels que L'Arc triomphal et le Char triomphal de Maximilien, La Passion de J.-C, L'Apocalypse, L'Histoire de la vierge Marie, et La Nef des fous (Das Narrenschiff) de Sébastien Brant.

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    Nom de naissance  Leonardo di ser Piero da Vinci
    Naissance  15 avril 1452
    Vinci, Toscane, Italie
    Décès  2 mai 1519 (à 67 ans)
    Château du Clos Lucé, Amboise, Touraine, France
    Nationalité  Italien
    Maître  Andrea del Verrocchio
    Élèves  Salai, Francesco Melzi…
    Mouvement artistique  Haute Renaissance
    Œuvres réputées  La Joconde, La Cène, L’Homme de Vitruve, etc.
    Mécènes  Laurent de Médicis, Ludovic Sforza, François Ier de France…

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    Léonard de Vinci   né à Vinci le 15 avril 1452 et mort à Amboise le 2 mai 1519, est un peintre italien et un homme d'esprit universel, à la fois artiste, scientifique, ingénieur, inventeur, anatomiste, peintre, sculpteur, architecte, urbaniste, botaniste, musicien, poète, philosophe et écrivain.

    Après son enfance à Vinci, Léonard est élève auprès du célèbre peintre et sculpteur florentin Andrea del Verrocchio. Ses premiers travaux importants sont réalisés au service du duc Ludovic Sforza à Milan. Il œuvre ensuite à Rome, Bologne et Venise et passe les dernières années de sa vie en France, à l'invitation du roi François Ier.

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    Léonard de Vinci est souvent décrit comme l'archétype et le symbole de l'homme de la Renaissance, un génie universel et un philosophe humaniste dont la curiosité infinie est seulement égalée par la force d'invention. Nombre d'auteurs et historiens le considèrent comme un des plus grands peintres de tous les temps et certains comme la personne la plus talentueuse dans le plus grand nombre de domaines différents ayant jamais vécu.

    Léonard de Vinci (attribué à), Profil de la Belle PrinceLeonard de Vinci - Dessin d'une tete de femme

    C'est d'abord comme peintre que Léonard de Vinci est reconnu. Deux de ses œuvres, La Joconde et La Cène, sont des peintures très célèbres, souvent copiées et parodiées, et son dessin de l’Homme de Vitruve est également repris dans de nombreux travaux dérivés. Seules une quinzaine d'œuvres sont parvenues jusqu'à nous ; ce petit nombre est dû à ses expérimentations constantes et parfois désastreuses de nouvelles techniques et à sa procrastination chronique. Néanmoins, ces quelques œuvres, jointes à ses carnets, qui contiennent des dessins, des diagrammes scientifiques et des réflexions sur la nature de la peinture, sont un legs aux générations suivantes d'artistes seulement égalé par Michel-Ange.

    Léonard De Vinci La dame à l'hermine (Portrait de Cecilialeonardo da vinci benois madonna

    leonardo da vinci la belle ferroniereSAINT-JEAN-BAPTISTE-DE-LEONARD-DE-VINCI-1513-1516

    Comme ingénieur et inventeur, Léonard développe des idées très en avance sur son temps, comme l'avion, l'hélicoptère, le char de combat, le sous-marin jusqu'à l'automobile. Très peu de ses projets sont construits, ou même seulement réalisables de son vivant, mais certaines de ses plus petites inventions comme une machine pour mesurer la limite élastique d'un câble entrent dans le monde de la manufacture. En tant que scientifique, Léonard de Vinci a beaucoup fait progresser la connaissance dans les domaines de l'anatomie, du génie civil, de l'optique et de l'hydrodynamique.

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     Léonard de Vinci, Portrait de Lisa Gherardini

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